L’intelligenza artificiale rivoluzionerà l’arte? Per il momento, la storia dell’arte è molto di più dell’IA. L’arte sono le pitture rupestri, risalenti a oltre 30.000 anni fa. L’arte è nelle tombe egizie, sulle colline greche, per le strade italiane, ed è ovunque siano presenti gli esseri umani. L’arte fa parte di noi. E nel corso del tempo, alcune invenzioni hanno cambiato per sempre l’arte, offrendo agli artisti nuove possibilità. Qui sotto presento il mio elenco personale di “invenzioni che hanno rivoluzionato l’arte”. Vuoi aggiungere qualcosa?
1. Stampa – sviluppare un’individualità moltiplicata
Sono passati quasi vent’anni da quando Johannes Gutenberg inventò la stampa a caratteri mobili. Libri, xilografie e incisioni divennero più popolari e accessibili. Norimberga, una città in Germania, divenne famosa per le sue tipografie. Una di esse apparteneva ad Anton Koberger, il padrino di Albrecht Dürer. E fu proprio Dürer (nato nel 1471) a vedere ciò che nessuno aveva visto prima – che la stampa poteva portargli fama e fortuna.
Dürer combinò la possibilità di moltiplicare le opere d’arte tramite una macchina da stampa con lo sviluppo di uno stile individuale e unico, che gli portò fama internazionale. Firmava le sue opere con il monogramma AD, così che tutti sapessero chi fosse l’autore. Le sue opere venivano spesso falsificate da altri. Ma Dürer non poteva permettersi di perdere reputazione e guadagni. Una volta fece causa a Marcantonio Raimondi di Bologna (Italia) per aver cambiato solo piccoli dettagli in una delle sue composizioni, lasciandovi però il suo, di Dürer, nome. Il tribunale riconobbe a Raimondi il diritto di copiare l’opera di Dürer, ma non quello di apporvi il suo monogramma.
2. Tela – mobilità e flessibilità
Immagina una nave che resiste ai mari agitati e continua il suo viaggio, catturando il vento nelle sue vele. Vele fatte di lino o di canapa, capaci di sopravvivere a qualsiasi tempesta o uragano. La nave entra nel porto di Venezia, portando pigmenti preziosi ed esotici, come il lapislazzuli, destinati agli artisti che lavorano nei loro studi. E da qualche parte, nel XV secolo, gli artisti iniziarono a utilizzare non solo i pigmenti trasportati dalle navi, ma anche il tessuto di cui erano fatte le vele. Fino a quel momento, il loro principale supporto era il legno e i muri. Entrambi, soprattutto nel clima umido veneziano, erano molto fragili. Ad esempio, il legno tende a deformarsi e i muri a essere infestati da funghi.
La tela non è solo più resistente, ma anche più leggera ed economica. Puoi arrotolarla e trasportarla facilmente in un altro edificio, città o persino in un altro paese, fino alla residenza del cliente o per una mostra. Puoi anche… ridimensionarla per cambiare la composizione, oppure ritagliare la parte (o la persona) che non vuoi vedere, o ancora adattarla meglio a un nuovo spazio.
3. Olio – colori come mai prima d’ora
In teoria, la ricetta è semplice: si mescola il pigmento del colore desiderato con olio (di solito di lino) per ottenere una pasta omogenea. In pratica, però, le ricette dei colori erano tra i segreti più gelosamente custoditi dagli artisti. E i colori a olio offrono un numero illimitato di possibilità, sia nella creazione di tonalità sia nelle strutture. Puoi creare tutte le sfumature che desideri di un colore e mescolare tra loro quante nuove tinte vuoi. Puoi mischiarli sulla tavolozza o direttamente sulla tela. Puoi applicarli in più strati. Un dipinto a olio può essere levigato e sottile come la Gioconda, oppure presentare impasto – colore “steso in maniera spessa su una superficie, tanto che le pennellate o i segni della spatola risultano visibili1”.
I primi tentativi di usare i colori a olio risalgono al Medioevo. Ma fu nella Venezia del Quattrocento che questo tipo di pittura trovò la sua piena espressione.
Le tempere usate prima della “rivoluzione dell’olio” erano a base di tuorlo d’uovo. Non offrivano agli artisti la stessa libertà cromatica. Si asciugavano velocemente, dovevano essere applicate in un modo preciso e solo in un unico strato.
4. Tubetto per i colori – una svolta epocale
In alcuni dipinti di Claude Monet si possono trovare piccoli granelli di sabbia intrappolati nella pittura. È perché li realizzò all’aria aperta. Ciò fu possibile grazie a un’invenzione recente: il tubo per i colori. La sua dimensione ridotta era l’opposto della grande rivoluzione che provocò. Come disse Auguste Renoir: «Senza i colori in tubetto non ci sarebbero stati Cézanne, Monet, Pissarro e l’Impressionismo2».
Conservare la pittura era una delle sfide più grandi per gli artisti. Le vesciche di maiale usate a questo scopo non erano una soluzione ideale e certamente non permettevano agli artisti di viaggiare con i colori.
Ma la pittura nei tubetti non si seccava e non colava. Si poteva conservare a lungo, portarla con sé e dipingere ovunque si volesse, persino, come Monet, sulla spiaggia. Tutti i paesaggi realizzati prima venivano dipinti entro le mura degli atelier degli artisti. E ci si può davvero aspettare di catturare la bellezza della natura, la sua dinamicità, i suoi colori e la sua luce quando si è circondati da muri?
John Goffe Rand, Brevetto “Miglioramento nella costruzione di recipienti o apparecchi per la conservazione dei colori, ecc.”, 11 settembre 1841, fonte: Archives of American Art
5. Fotografia – riconosciuta come arte
Un clic veloce, e il lavoro è fatto. Foto scattata – nitida, perfetta, facile da trasportare, molto più economica e meno dispendiosa in termini di tempo rispetto alla pittura. Ma la fotografia non uccise la pittura. All’inizio veniva spesso accusata di essere solo un processo “meccanico”, privo di “tocco umano” e “non creativo” perché copiava soltanto scene esistenti. Alcuni arrivarono persino ad annunciare la morte della pittura3.
Tuttavia, nel giro di pochi decenni dalla sua invenzione nel 1839, la fotografia divenne estremamente popolare in tutto il mondo. Le persone poterono vedere cose che prima non avrebbero mai visto: terre lontane, culture distanti, guerre, opere d’arte… Con il tempo, la fotografia si è evoluta in una forma d’arte autonoma. I fotografi hanno dimostrato che attraverso le loro immagini possono trasmettere emozioni e che ciò richiede competenze e un’attitudine artistica.
Alcuni paragonano la rivoluzione dell’IA a come la fotografia abbia influenzato, o persino cambiato, l’arte. Ma tra le due ci sono anche molte differenze4.
Come e in quale misura l’IA rivoluzionerà l’arte? Questa domanda dovrà attendere ancora qualche anno per avere una risposta. L’IA generativa rimarrà uno strumento o diventerà un mezzo artistico a sé stante?5 Non lo sappiamo ancora. Ma vorrei concludere con una frase molto diretta che ho trovato durante le ricerche per questo articolo:
«Ancora oggi, come 150 anni fa, l’arte è nell’occhio, non nel dispositivo6».
Riferimenti:
1 Definizione da: Art terms: Impasto on the website of the Museum of Modern Art in New York; consultato il 12 Agosto 2025
2 Perry Hunt, Never Underestimate the Power of a Paint Tube, published in May 2013, accessed on 13 August 2025.
3 Vedi, ad esempio: Jordan G. Teicher, Quando la fotografia non era arte, pubblicato il 6 febbraio 2016, consultato il 13 agosto 2025; Livia Gershon, La fotografia ha davvero ucciso la pittura di ritratto?, pubblicato il 13 settembre 2022, consultato il 13 agosto 2025.
4 Un confront interessante fu creato da: Lizzy Larson, Photography was historically considered “art’s most mortal enemy.” Is AI?, pubblicato il 9 Novembre 2024, consultato il 13 Agosto 2025
5 Domanda ispirata da: Lizzy Larson, Photography was historically considered “art’s most mortal enemy.” Is AI?, pubblicato il 9 Novembre 2024, consultato il 13 Agosto 2025
6 Jordan G. Teicher, When Photography Wasn’t Art, pubblicato il 6 Febbraio 2016, consultato il 13 Agosto 2025.
